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Viernes, 19 de julio de 2024

Estas son las obras de la Bienal 2024

Siete días han pasado ya desde que los escultores del concurso Internacional empezaron a trabajar de manera activa en sus proyectos en el predio del Domo del Centenario. Diez diferentes perspectivas del arte, diez sueños que han ido tomando forma en estas últimas horas de Bienal chaqueña.

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A continuación abordaremos de manera breve sus nombres, sus nacionalidades y sus proyectos:

Argentina – Luis Bernardi y su obra “Simpleza”
Desde hace algún tiempo, parte de mi escultura se sostiene y se construye en la línea; y ésta se sustenta en un material muy noble pero frío e implacable como el metal y otras veces en uno cálido y suave como la madera. El color ocupa un lugar importante en mi trabajo porque por donde transito hay color, en la dirección que miro hay color, hay infinidades de colores.

En ese transitar su dirección fue para múltiples lados, subió, bajó, se disparó en una diagonal, se arrugó, se comprimió, se dobló suave o abruptamente. También se anudó para después desatarse y poder transcurrir suavemente en otra dirección, muchas veces desapareció para luego aparecer de otro tamaño y en otro lugar. En ese ir y venir marcó territorios, sectorizó, delimitó, dividió espacios.

Mi trabajo se trata pasar muchas veces por un mismo lugar y volver a pasar hasta agotar lo transitado para poder realizar pequeños cambios, mejor dicho esa es mi intención y en eso creo. Y al estar sustentada por muchas horas de trabajo eso va fundando una obra que se va despojando, pasando a una simpleza mínima casi imperceptible. Mi obra no dice nada ni tampoco significa nada, es ni más ni menos que una línea que no tiene intencionalidad pero si tiene recorrido y cuando uno percibe ese recorrido, el otro puede llegar a significar o mejor dicho poner en juego un significado si es necesario. Algún día quisiera llegar a la simpleza de una flecha o mejor dicho de su recorrido.

“Simpleza”, Argentina.
Chile – Alejandro Mardones Guillen y su obra “Multiplicidad”
La escultura busca, a través de su construcción -en base a planos triangulares, el color, su recorrido de luz y sombra-, producir distintas percepciones espaciales. Es decir; a medida que la recorremos y la miramos desde distintos ángulos podemos ver que se van generando distintas figuras geométricas que se producen por la proyección de sus líneas y sombras, configurando a través del vacío, volúmenes virtuales que nos sugieren una multiplicidad de formas y distintas perspectivas sobre la misma obra.

La escultura proyectada está pensada para ser recorrida y poder apreciar desde la mayor cantidad de vistas, la construcción de volúmenes en base a planos y vacíos, teniendo la oportunidad de poder situarse en el interior de la obra y tener una nueva experiencia espacial. La escultura busca hacer tangible la idea de que somos parte de un todo, que se conforma desde múltiples perspectivas, miradas, posiciones, y cada una de ella es válida y necesaria para conformar un todo.

Con esta obra se quiere hacer una representación abstracta de la diversidad de individuos que habitamos y compartimos un mismo espacio, pero al mismo tiempo muy diverso, en el cual convergen una infinidad de posibilidades en el habitar, dándonos cuenta que a partir de la individualidad de formas se puede generar un todo dentro de una multidimensional, habitando un sub-espacio que nos convierte en uno y en todo.

España – Carlos Iglesias Faura y su obra “Habitus, antihabitus”
Esta pieza esculpida en hierro ancla su nacimiento y construcción a partir de la papiroflexia y el origami. En la práctica de cortar y doblar papel moldeo volúmenes y escalo perspectivas elevando el plano. Esta naturaleza flexible a la que me invita este material y sus infinitas posibilidades de plegado me permiten concebir estas ideas. A pesar que el papel es un objeto bidimensional, con el corte y el plegado se consigue visualizar y entender cómo la escultura comienza a habitar el espacio a través de ángulos, luces y sombras. De esta manera consigo abrir sutiles vías de exploración a través de ritmos internos y movimientos centrífugos.

Hay cuatro puntos que considero clave en el desarrollo de esta pieza para garantizar la precisión, la coherencia y la belleza: el rigor matemático, la repetición con diferencias, el movimiento congelado a través de tensiones y líneas cinéticas y la idea conceptual de habitar y ser habitada.

Habitus, antihabitus surge por la importancia que tiene el vacío en mi obra, habla del camino recorrido entre las dos piezas hasta encontrarse y abrazarse. Representa la unión y la armonía entre diferentes culturas, tradiciones y perspectivas. Representa la conexión ineludible entre el pasado y el presente. La tradición de unos valores porque se repiten y que se repiten porque son valores. Y es que la vida no permanece invariable. Habitus es lo tenido, lo habido, lo poseído pero también es lo que es recibido, lo que es tratado y recibido tal como ha sido tratado. Es aquello que permite al individuo y al grupo perseverar en su ser. Antihabitus es cambiar siempre, rechazar el hábito para no vivir inconscientemente la vida de otra cosa, de otro tiempo, de otra persona, de otra estructura, para que yo no use de modo inconsciente otro lenguaje, para que yo me apodere de mi propio lenguaje. Siempre es necesario pensar de otro modo, y es necesario hacerlo, aunque sea para después volver al modo anterior pero desde otro ángulo.

Estados Unidos – Billy Lee y su obra “Obelisco”
El elemento principal de la escultura abstracta que no se suele discutir es el espíritu y el sentimiento de la obra, principalmente porque la gente quiere saber qué es más que la idea básica de disfrutar de su experiencia. Los elementos escultóricos abstractos suelen ser irreconocibles en el mundo real, ya que se toman libertades en el tema simplemente porque la copia es inadecuada y limitada para la expresión. Desde la antigüedad, el arte se ha centrado más en la expresión individual del objeto, la persona y el lugar, en lugar de simplemente replicar lo que hay allí. La escultura abstracta es la síntesis de ideas, pensamientos y lenguaje visual. La culminación de estos aspectos se refina a una esencia de simplicidad que expresa el sentimiento y el espíritu del concepto. En ese contexto, mi trabajo representa mis pensamientos, sentimientos y expresión de la condición humana.

Kosovo – Butrint Morina y su obra “Figurativo abstracto”
Mi proyecto representa el cuerpo de una mujer de una manera muy sencilla. La idea es decir que la belleza está dentro del carácter de una persona, no sólo en la vista exterior o en la forma del cuerpo. Hay algunas virtudes que caracterizan a una persona: sabiduría, justicia, prudencia, moralidad, etc.

Letonia – Solveiga Vasiljeva y su obra “Tiempo”
El concepto de tiempo es una bola de enigmas inconscientes que suponen un desafío para recordar. Se puede clasificar en físico, biológico y físico subjetivo. La realidad más distinta es el tiempo físico, que está ligado al espacio y forma un espacio-tiempo curvo que continúa expandiéndose continuamente. El tiempo biológico es cíclicamente rítmico y todo organismo vivo lo tiene, está predestinado. El tiempo psíquico subjetivo es idéntico a la autoconciencia humana regida por la relación de incertidumbre de la física cuántica. Por lo tanto, su naturaleza ondulante no se presta a una inspección localizada. El tiempo cuando trato de representarlo en forma visual y en forma de posibilidades materiales.

Nueva Zelanda – Anna Korver y su obra “Mensaje”
Una obra sobre el paisaje onírico. Toma la forma abstracta surrealista de un dardo de papel y recuerda al espectador un sentimiento de infancia. Recuerda la sensación de soñar y enviarla como un deseo. La obra utiliza el símbolo del dardo de papel y que recuerda el juego infantil de intentar volar un avión de papel lo más lejos que puedas. Se trata de volar, de esperar y de enviar un deseo a tu yo futuro como la proyección de un sueño. Quizás sea un lugar al que desea viajar, una persona que desea ver… es algo que el espectador debe imaginar. La superficie está facetada, lo que para mí representa algo mágico y alejado de la normalidad de la vida cotidiana.

Perú – Percy Raúl Zorrilla Soto y su obra “Ritmo cósmico”
Formas geométricas desplegadas en el espacio siguiendo un orden numérico, como imagen del orden del cosmos; así, la unidad de lo primigenio, la dualidad de nuestra polaridad emocional, la triada que nos reintegra a la unidad. Expansión y contracción visual al recorrer los 360 grados, a modo de respiración rítmica. Pliegue y despliegue de planos. El color rojo en su valor simbólico de amor universal, pasión y vitalidad. Una aspiración de lo material hacia lo espiritual.

Los seres humanos somos imagen del orden cósmico. Cuando perdemos nuestra esencia surgen el caos y el desastre de la destrucción de nuestra humanidad, que llevan a la confrontación de pueblo contra pueblo. Cuando podemos recuperar el sentido rítmico nos podemos reintegrar como humanidad, hermanada en la danza del cosmos. Por eso, que las formas que en el cielo dibujan los astros, vibren hoy en nuestras manos; que la fuerza de las formas geométricas, resuene hoy en nuestro corazón; que el brillo de la luz, modele la forma celestial.

Rumania – Bogdam Adrian Lefter y su obra “Reflejo lunar”
El punto de partida de esta escultura es el reflejo de la luna en la superficie del agua. Una síntesis tridimensional entre línea curva y volumen, lleno y vacío, reflejo instantáneo y material metálico. La escultura se compone de tres elementos cuyos volúmenes convergen entre sí, como los elementos de un rompecabezas que se pueden poner en relación en infinidad de composiciones.

La obra es esencialmente la belleza del espejismo Fata Morgana capturado en volumen, modelando la línea vibrante entre la luz y la sombra.

Turquía – Emrah Önall y su obra “Escapar”
Mi trabajo se ubica en una linealidad entre materia y representación (el cuerpo humano). Los contrastes entre material y representación están en el centro de mi proceso de producción. En mi práctica de producción, el material siempre habla por sí solo. El trabajo está organizado para revelar este proceso. Esto es posible a través de la reconciliación y el diálogo con la materia. Lo importante en este punto es que el material hable. La forma final la dejo al material. En mi diálogo con el material, lo que encuentro en cada paso prepara el terreno para el siguiente. Esta experiencia entre el artista y el material avanza en capas y llega a su conclusión. La forma del cuerpo se manifiesta en un estado de tensión con la materia. Este proyecto hace referencia a la dificultad y temporalidad del acto humano de escapar de un fenómeno.